Само сходство терминов «оп-арт» и «Pop-Art» ist ein rein zufälliger Reim, der aus der Gewohnheit entsteht, den unterschiedlichsten künstlerischen Bewegungen (wenn nicht für „Ismus“, dann für „Kunst“) und auch nur annähernd dieselben Namen zu geben Gleichzeitigkeit beider Phänomene, die Mitte der 1960er Jahre Massenpopularität erlangte. Diese Strömungen entstanden und entwickelten sich keineswegs parallel und wuchsen aus unterschiedlichen Wurzeln, sondern so konsonanten «op» und «pop» haben völlig unterschiedliche Etymologien.
Pop Art im Interieur
«Pop Art» — Abkürzung fürpopuläre Kunst («Massenkunst»). Und obwohl dieser Begriff 1955 in England entstand, wurden die meisten Lehrwerke von amerikanischen Künstlern geschaffen. Blechdosen, Colaflaschen und gemalte Fotografien von Filmstars von Andy Warhol, auf Leinwand übertragene Comics von Roy Lichtenstein, auf absurde Riesengrößen vergrößerte Fahrräder, zu Skulpturen verarbeitete Hämmer und Nadeln von Claes Oldenburg sind fast jedem bekannt. Pop-Art führte «high» zeitgenössische Kunst – Bilder des Alltags und der Massenkultur, Dinge, die gewöhnlich, vulgär und unbedeutend sind. Darüber hinaus führten Pop-Künstler im Gegensatz zu den Avantgarde-Künstlern der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, beispielsweise den Dadaisten, mit denen sie oft verglichen werden, oder ihren Zeitgenossen, den „neuen Realisten“, nicht die rohe Realität, sondern die Masse in die Kunst ein Medienphantome. Die Dinge sind gewöhnlich, vulgär, unbedeutend — Zeitungsfotos, Werbung, Supermarktverpackungen. Und gleichzeitig bewahrten sie in ihren Werken jene bewusst künstliche Euphorie, die etwa für die Werbung charakteristisch ist. Die Bilderbuchwerke der Pop-Art bleiben ebenso leicht und freudig in Erinnerung wie die zeitlosen Rock-Hits der 1960er Jahre. Andy Warhol war für die Kunst des 20. Jahrhunderts das, was die Beatles — für Musik: sowohl im Sinne ihrer elementaren Unwiderruflichkeit für die Geschichte als auch im Sinne ihrer trügerischen Leichtigkeit der Wahrnehmung. Allerdings bevorzugte Warhol selbst die ewigen Rivalen der Beatles — Rolling Stones (er malte eine Reihe von Porträts von Mick Jagger und gestaltete eine der CDs der Gruppe). Was durchaus verständlich ist: Pop-Art ist keineswegs so wolkenlos positiv, wie es auf den ersten Blick erscheinen mag, und ihr eigener „Teufelstum“ ist nichts anderes. ist zweifellos da. Es lohnt sich, einen genaueren Blick auf diesen „Alltag“ zu werfen. — und man spürt, wie hinter der bedeutungslosen Vervielfachung banaler Bilder das Nichts auftaucht.
Fast jeder weiß, wie Pop-Art aussieht, aberWas diese Werke bedeuten, in denen es scheinbar nichts zu verstehen gibt, lässt sich endlos diskutieren. Es ist allgemein üblich zu sagen, dass Pop-Art — Dies ist die Reaktion der zeitgenössischen Kunst auf Massenkultur und Konsumgesellschaft. Aber das Verhältnis der Pop-Art zur Konsumgesellschaft scheint sehr zweideutig zu sein — Entweder machen sich die Künstler über ihn lustig, wie es echte Intellektuelle tun, oder sie entschuldigen sich im Gegenteil für ihn. Es ist bekannt, dass die Pop-Art als Antithese zum abstrakten Expressionismus entstand, dessen Abstraktion sie mit einer Rückkehr, wenn nicht zur Realität, so doch zur figurativen Kunst kontrastierte. Man kann darüber streiten, ob diese Wende ein Zeichen der Demokratisierung der Kunst (populär kann auch mit „Folk“ übersetzt werden) oder im Gegenteil ihrer Bourgeoisie war. War es eine revolutionäre Geste — Schließlich wurden die Hauptfragen der Avantgarde neu gestellt: Was unterscheidet Kunst von Nichtkunst, was ist ein Werk und welche Rolle spielt der Autor darin, — oder im Gegenteil ein Zugeständnis an die Massenkultur, deren Bilder und Sprache die Pop-Art übernommen hat. Wie dem auch sei, Pop-Art bleibt eine der einflussreichsten Bewegungen der modernen Kunst — und der erfolgreichste, wie die Preise der Werke seiner Meister, die Auflage der Reproduktionen und die Zahl der Zitate von Warhol und anderen Pop-Künstlern belegen, die auf Taschen, Tapeten und Hüten verstreut sind. Wahrscheinlich müssen sich mehr oder weniger erfolgreiche Mitglieder der Konsumgesellschaft (sei es nun Sammler originaler Warhols oder die Mittelschicht, die seine Reproduktionen an die Wand hängt) von Zeit zu Zeit daran erinnern, dass all dieses konsumorientierte Wohlergehen ihre Sinne schärft — nur ein Phantom, eine Regenbogenseifenblase. Und dafür eignen sich scheinbar einfältig wirkende Pop-Art-Werke hervorragend.
Der Begriff «Op-Art» (kurz für optischKunst — «optische Kunst»), die viel später, im Jahr 1964, entstand, geht auf die sehr abstrakte Kunst zurück, die die Pop-Art im Wesentlichen bekämpfte. Werke, die der Op-Art zugeordnet werden können, tauchten jedoch schon lange vor den 1960er Jahren auf. Victor Vasarely schuf bereits 1938 das Werk „Zebra“, das als erstes Op-Artist-Werk gilt. Offensichtlich ist Op-Art — Es ist der Erbe des geometrischen Abstraktionismus des frühen 20. Jahrhunderts. Doch im Gegensatz zu den Werken Malewitschs oder Mondrians existieren Op-Art-Werke nicht so sehr auf der Leinwand, sondern im Raum der Wahrnehmung des Betrachters. Dies ist die Kunst der optischen Täuschung, bei der das Flache dreidimensional erscheint und das Unbewegte — bewegen. Vasarely selbst nannte seine Bilder „ein Perpetuum mobile“. Der Besuch einer großen Op-Art-Ausstellung kann regelrechte Schwindelanfälle auslösen. Es ist dieser fast physische Effekt des Verschwindens des Bodens unter den Füßen, der der Regie Popularität verleiht, die so etwas wie eine Attraktion hat. Und in diesem Sinne ist die Op-Art in ihren häufigsten Erscheinungsformen vielleicht sogar noch näher an der Massenkultur als die Pop-Art. Allerdings haben diese scheinbar keine gemeinsamen Richtungen und haben immer noch einen Schnittpunkt — Es handelt sich um eine psychedelische Kultur, die in den 1960er Jahren entstand. (Das radikale Op-Art-Werk „Dream Machine“ von Brian Gisin erforderte sogar eine besondere Betrachtung: Durchbrochene Zylinder, die sich um eine helle Glühbirne drehten, musste man mit geschlossenen Augen betrachten und die Visionen genießen, die Lichtblitze hinter geschlossenen Augenlidern erzeugen.) Und Op-Art und Pop-Art versuchten gleichermaßen, den Realitätssinn zu erschüttern und das Bewusstsein des Betrachters zu verändern. Die Op-Art sorgte mit ihren optischen Tricks für regelrechtes Schwindelgefühl. Pop-Art — Geistesschwindel, der die banalsten Bilder des Alltags in eine halluzinatorische, fast unerträgliche Helligkeit und Klarheit bringt.
